O mundo na Idade Média

Durante a Idade Média, que durou do século V ao século XV, o mundo viveu sob forte influencia da Igreja Católica. Nada conseguia escapar aos seus olhos atentos e as suas leis severas. Tudo era dominado por ela, inclusive a fé e o comportamento das pessoas.

A Igreja detinha todo o poder, inclusive sobre o conhecimento. As pessoas eram privadas do livre arbítrio e não tinham acesso aos livros, pois se descobrissem que somente a fé não era capaz de explicar tudo, passariam a buscar respostas na ciência e a Igreja perderia o respeito e a autoridade. Por este motivo mantinha a sociedade alienada em sua própria fé e presa a sua ignorância.

Neste período considerado das trevas, Deus era representado pela Igreja como um ser impiedoso e vingativo com os que porventura fossem contra ela. Daí tanto temor e submissão a uma entidade que era capaz de julgar e condenar em nome de Deus.

Homens e mulheres eram impiedosamente assassinados em nome da honra desta Igreja. No tribunal da Santa Inquisição o veredicto era queimar vivos os que professassem outra fé, ou que não vivessem segundo os preceitos da Igreja.

Desta forma não havia fé. Havia um verdadeiro pavor. E com isto a Igreja mantinha seus fieis, através do medo e da repressão absoluta.

A arte na Idade Média

A Igreja tinha influencia absoluta sob todos os aspectos da vida humana, inclusive nas esferas sociais, políticas, econômicas e culturais da sociedade. Com isto a arte medieval também foi influenciada, recebendo como temas principais a religião como fonte de inspiração. E não podia ser diferente, pois o clero católico supervisionava de perto as produções artísticas, para que nada fugisse a regra do que a Igreja considerava “politicamente correto”.

Os artistas da época não podiam expressar suas idéias, pois eram retaliados pela Igreja.

Desta forma, esculturas, pinturas em geral, livros, obras arquitetônicas, tudo tinha que ter o aval da Igreja. Inclusive o padrão de beleza e harmonia de esculturas era predeterminado por ela, ou seja, as obras precisavam representar o cânon da beleza, pois era um padrão de beleza divina, devidamente aprovada pela Igreja.

Os temas abordados nas obras variavam entre a vida de cristo e dos santos e também passagens bíblicas.

A arquitetura das igrejas, por exemplo, precisava ser forte para transmitir uma idéia de confiança.

Como naquela época muitos eram privados de ler, a Igreja utilizava pinturas e esculturas para contar historias sagradas e evangelizar.

Biografia de Christian Boltanski

Boltanski é um artista plástico autodidata que combina várias técnicas em sua obra, dentre elas a pintura, o cinema, vídeo, performance, instalações e fotografias, numa instigante combinação de elementos que transforma seu trabalho em algo único e inovador.

Boltanski é um artista contemporâneo que se inspira na arte medieval para compor seu trabalho, o que resulta em impactantes imagens e instalações inusitadas.

Este artista propõe uma constante reflexão sobre a forma tradicional de se fazer arte, criticando o “politicamente correto” e dando uma visão mais critica a cerca do mundo, misturando técnicas e elementos não convencionais.

Boltanski utiliza acontecimentos e fatos históricos para compor o que ele considera de embate entre o bem e o mal, entre o certo e o errado, entre o moral e o imoral, entre nossas percepções e julgamentos, convidando o espectador a reviver sua própria historia, analisar seu passado e o contexto em que está inserido, para a partir daí recriar uma nova imagem do mundo e de si mesmo.

Reutilizando e transformando materiais, o artista vai modelando a vida do homem comum, para que cada um possa se ver e se identificar de alguma forma com suas obras. Assim como o homem se reinventa e se adapta a situações, Boltanski vai adaptando e reinventando algo já preestabelecido e empregando significado, sentimento e afetividade, de modo que sua marca maior é a preocupação com os sentimentos humanos, com o subjetivismo, representando a morte para celebrar a vida.

Obras de Boltanski: Instalações_ Altares dedicados aos mortos, inspirados nas obras e arquitetura de igrejas medievais.

As obras de Christian Boltanski são bastante impactantes e polemicas. A proposta de Boltanski é questionar o papel do individuo na sociedade contemporânea e trazer a luz debates importantes sobre temas polêmicos que afligem a sociedade, mas que são de alguma forma mistificados.
A morte é tema constante em suas obras, talvez pelo fato do artista gostar de representar os sentimentos humanos, a morte é retratada como um ritual, uma passagem pela qual nenhum ser humano é indiferente.
Boltanski utiliza a imagem de forma que sintamos certa familiaridade em relação a ela. Suas instalações nos remetem a templos sagrados medievais, embora sua pretensão não seja fazer apologia à religião. Seu estilo é intrigante, despertando duvidas e questionamentos.
Ao utilizar fotografias em suas gigantescas instalações, geralmente utiliza a abstração da morte como representação maior da vida. A atmosfera religiosa da Idade Média empregada em suas obras faz com que o espectador sinta certa reverencia ao contemplá-las, momento este em que Boltanski espera atingir o máximo da reflexão e da emoção.
Desta forma, o que difere Christian Boltanski dos demais artistas plásticos é que ele não pretende impor em suas obras concepções próprias, ao contrario, ele busca inspiração no outro, para que as pessoas possam se refletir, se identificar e compartilhar de sua visão de que a arte pode ter muitos significados, mas que o principal deles é que cada um possa se sentir parte do processo.

Narrativa crítica 1

Volta e meia esta pergunta nos vem à mente: “Qual a necessidade social e a base filosófica para que a arte tenha um lugar tão importante na nossa educação?”.

Vivemos um tempo de distorção de valores e banalidades onde a educação é percebida como única saída digna para que o homem não perca sua função social.
Pensando nas práticas históricas do ensino de artes visuais, são várias as vertentes que partem do princípio da representação da nossa realidade.
O desenho, dentro deste segmento da cultura visual é uma forma de materializar idéias e pensamentos, posto que o desenho seja um excelente meio de comunicação transmitindo conceitos e valores.
Trabalhei por dois anos e meio num programa socioeducacional voltado para crianças carentes e com algum tipo de defasagem escolar. Neste programa as crianças chegavam sem nenhuma perspectiva de autoestima. Não confiavam em seu poder criativo nem no poder transformador do autoconhecimento.
Ao terem contato com o desenho, não do jeito que elas conheciam, mas no ato de desenhar explorando os próprios sentimentos, a própria individualidade, a subjetividade, não podemos afirmar que os problemas de defasagem ou de mau desenvolvimento escolar desapareceram, mas compreendemos então que muito do insucesso daquelas crianças era fruto de um lar desestruturado onde não havia espaço para o diálogo.
A partir do envolvimento delas com as práticas do ensino das artes através do desenho a barreira do silêncio desapareceu, porque elas podiam enfim falar o que lhes aprisionavam através do desenho. E principalmente, podiam ser ouvidas sem criticas ou constrangimentos.
Desenho é a expressão dos sentimentos e enquanto educadora precisava ser sensível a isso. Desenhar é basicamente criar, partindo de algo que a mente humana restabeleceu de forma crítica. Desta forma, quando desenhamos, além de expressar o que pensamos, estamos pensando formas, pois usamos nossa percepção e nossa memória visual para criarmos tais elementos. Estas formas seriam nossas reflexões sobre o mundo, sobre nossos medos, angústias, vontades, sensações e anseios.
Logo, esta prática histórica do ensino de artes visuais que compartilhei, garantiu não apenas minha contribuição na vida de outras pessoas, mas também na minha própria vida, pois me despertou o gosto e a sensibilidade por esta prática.
Acredito que todo indivíduo desenhista, pintor, autor, ao compor uma obra incorpora os elementos de seu meio social e cultural às suas imagens, pois se o desenho é a representação gráfica da realidade, logo o ambiente cultural em que vivemos influencia diretamente na composição de nossos desenhos e imagens. Nosso contexto social tornam-se a base de nossas criações.
Segundo Belidson Dias, em seus escritos essenciais, desde a pré-história o homem tem a necessidade de descrever o seu mundo, expressar-se e registrar suas idéias.
“Os símbolos foram os meios pelo qual o homem conseguiu sair do estado animal de inconsciência, para a primeira fase de consciência”. Baseado nisto é que acredito fielmente que esta prática possa libertar os indivíduos de seu estado de inércia para um estado de reflexão e ação.
“As artes refletem as idéias filosóficas de uma determinada época, assim como também são utilizadas para promover valores de uma sociedade”.
Desta forma concluo que nenhuma prática visual representa melhor esta citação de Belidson Dias do que a prática do desenho, pois como ele mesmo se refere “o maior produto social do ensino de arte não são os trabalhos de arte e sim a formação de um tipo de pessoa que seja capaz de apreciar a arte com uma atitude crítica e que seja capaz de transformar a sua experiência estética em algo positivo para a sua vida e para a sociedade”.

Será que de fato somos seres civilizados?

A pergunta parece simples e muitos responderiam ‘sim’ facilmente. Mas sejamos um pouco mais reflexivos e pensemos honestamente na condição do homem na sociedade contemporânea.
No que divergimos do homem paleolítico? Em que somos melhores?
Julgamos-nos tão infinitamente superiores, que do alto de nossa arrogância não nos damos conta do quanto somos individualistas e materialistas.
Do que adiantou nossa “evolução” para séculos mais tarde descobrirmos que temos mais em comum do que poderíamos supor com os nômades da época? Ironicamente, algumas características e valores morais não evoluíram.
Tanta tecnologia, tantos avanços econômicos, culturais, políticos e etc.; tantos recursos a nossa disposição e ainda acreditamos que ao ferir uma pintura ou imagem podemos de fato ferir nosso semelhante. Imagine o que o homem paleolítico não faria com uma câmera fotográfica e a alma humana!
Ironias a parte, nunca o ser humano foi tão atingido por seu próprio individualismo como na era em que vivemos. Os valores do pós-modernismo corroem o limite do bom senso, do senso de coletividade e de colaboração.
Os homens paleolíticos competiam por pura necessidade de subsistência. A sociedade atual não é muito diferente, porém o que os motiva é a ganância, é a ambição, é a necessidade de possuir o que o outro tem.
A competição é meramente para satisfazer o ego e a vaidade.
O dicionário define ‘civilidade’ como conjunto de formalidades adotadas para demonstrar mútuo respeito e consideração; polidez, cortesia. Frente a isso nos perguntamos então onde está o homem civilizado. Em qual processo ele se perdeu? Pois o que vemos em nossa era é um profundo desrespeito a condição humana e aos valores éticos.
Vivemos na cultura do consumismo excessivo e isto não significa que nosso “processo civilizatório” nos transformou em seres que podem prover a própria subsistência, mas sim em seres que precisam ostentar para só assim obter respeito, consideração e cortesia.
Analisando todo esse processo pelo qual o homem vem passando, não podemos prever qual será seu futuro se os valores também não forem transformados. Neste contexto, o que esperamos é que se não pudermos ser mais sociáveis, menos individualistas e menos capitalistas; se não pudermos finalmente afastar o homem “primitivo” de nosso eu interior para assumirmos uma postura de homem “civilizado”, que ao menos nossos valores, conceitos e princípios morais não sofram uma regressão ainda maior, para que não sejamos eternas vitimas de nosso próprio egoísmo e de nossa própria intolerância.

E que tal essa tentativa frustrada de auto-retrato??